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详细剧情
长篇影评
1 ) 如果你喜欢艺术，这部电影不可错过
《Ruben Brandt, a gyüjtö》的中文片名翻译成了《盗梦特攻队》，听上去有点中二，但实际上，Ruben Brandt这个主角的名字取自著名画家鲁本斯和伦勃朗，这部电影也如这个片名出处一样，到处都是彩蛋，是一部名副其实的艺术史盛宴。
我认为，如果对艺术史略知一二，又比较习惯毕加索式的立体主义绘画，那这部电影可以提供非常好的审美体验。
电影是一种多媒体形式，除了剧本本身的文学性之外，视觉和听觉也是构成电影的重要因素。我认为这部电影的视听表现力非常强，有两场戏尤其令我印象深刻。
第一场是鲁本为三位患者治病，让他们围着篝火进行角色扮演。这里的画面渲染和音乐所营造的节奏感，使得整场戏特别有原始宗教的仪式感；第二场是Mimi和Mike的追打戏，这部分没什么台词，全靠画面的构图和配乐的张弛来控制节奏。
画家出身的导演米洛拉德·科斯蒂奇（Milorad Krstic）对画面的精致把握，再加上作曲家Tibor Cári团队制作的高质量配乐，把视觉和听觉结合在一起，营造了一种非常独特的节奏感和美感。
画面创作形式
出生于斯洛文尼亚的导演米洛拉德·科斯蒂奇（Milorad Krstic）是一名画家，他非常喜欢达达主义、超现实主义、德国表现主义者和波普艺术。
电影中的人物设定借鉴了很多立体派和达达主义的灵感，采用了毕加索式的立体主义画风，因此，我们会看到各种三个鼻子、两个眼睛、眼睛长在耳朵上的人物形象。
法国诗人阿波利奈尔曾说：“毕加索研究物体，就像外科医生解剖尸体一样。” 我们能看到这部充满想象力的怪诞风格动画，得益于导演六年多以来对这部作品的耕耘，他说：“我需要寻找懂得解剖的动画师，花了很长时间才找到合适的人选。”
实际上，立体主义和超现实主义的绘画风格，非常适合表现梦境，因为超现实主义的诞生与弗洛伊德的梦境理论息息相关。超现实主义创始人之一安德烈·布勒东曾说：“梦境与现实这两种状态似互不相融，我却相信未来这两者必会融为一体，形成一种绝对的现实，亦即超现实。”
超现实主义者力图摆脱理性的支配，顺应潜意识的指挥。在这种理念的指导下，不受意识和逻辑控制的梦境，便成为了超现实主义的创作沃土。这种绘画方式，反倒让我们更接近梦境的“真实”——毕竟梦境可以怪诞、可以夸张、可以为所欲为、可以把人物形象完全解构和重塑。
或许有些观众不太习惯立体主义和超现实主义的绘画方式，更别提应用到动画片里。但动画本身就是不真实的，既然是不真实的，又为什么一定要模仿真实场景和真实人物呢？
动画的形式特点，决定了它可以任由想象驰骋。比如我很喜欢纸片人的设定，这个二维的人物，母亲是三维立体的、父亲是一根线。这种把维度也纳入到生育中的天真想象力，不是非常有趣吗？比如用超现实的方式演绎波提切利《维纳斯的诞生》、马奈《草地上的午餐》等名作，对艺术爱好者来说，又何尝不是一件又惊喜又好玩的事呢？
这部动画，其实也表达了导演的艺术观念——与他所依托的超现实主义、达达主义、立体主义相似——他所采用的画面创作形式，也是一种对传统动画的思考和创新。
故事设定
导演的出发点是想基于自己对绘画艺术的热爱，做一个关于绘画的电影。他说：“对我来说，这部动画更多地意味着与年轻一代分享我对艺术的热爱”。
为了拍出一个可以让观众把注意力集中一个半小时的电影，他必须讲述一个有吸引力的故事。而他认为，犯罪故事很能吸引人。
但以犯罪为主题，就不得不引入反派角色。导演说他不希望主角鲁本被一些丑陋的怪物困扰，“我想要美丽、纯真的生物和人类，然后把他们重新想象成险恶的事物。”因此，梦境成了他解决这些初衷最好的载体。恰巧，他所喜爱的超现实主义、立体主义画风，又是表现梦境的一种非常好的手法。于是，一个围绕“噩梦”展开的故事，就这样渐渐成形了。
父亲葬礼后的每天晚上，鲁本都被恐怖的梦轰炸：马奈《奥林匹亚》中的黑猫撕咬他；杜韦内克的吹口哨男孩折磨他；波提切利的维纳斯用头发勒得他几乎窒息……
这些故事，部分源于导演个人看画时的想象。他说，波提切利的维纳斯是个漂亮女孩，但如果她的头发变长、如同章鱼一样张牙舞爪，会是怎样一番场景？
他把这些天马行空的想象，融入进了电影，组成了一个个奇幻而有趣的故事。而对艺术爱好者来说，最大的惊喜莫过于，那些名作中的形象“复活”了，他们走出画面，和鲁本进行骇人的互动。导演把他对绘画作品的想象，分享给了观众，让我们以一种全新的视角和方式，去观看那些名作。
艺术不该是折磨人的梦魇
鲁本被梦魇折磨，源于他的心理技术专家父亲从小对他进行的“潜意识”植入。父亲为了替中央情报局做潜意识感知的实验，在鲁本儿时看的动画片里，植入了艺术作品，让它们根植于鲁本的潜意识。
但抛开这种刻意控制潜意识的行为不谈，绘画作品的巨大影响，有时真的会扎根于我们的潜意识中。比如一个遍览印象派绘画的观众，很难在看到睡莲时不联想到莫奈；一个遍览梵高作品的观众，很难在看到向日葵时不联想到梵高。
当你很了解一幅画或以为画家、一个时期的画作，它就仿佛潜入了你的潜意识，随后在某些特定场合，重新出现在脑海中。这样的“潜意识”并不令人感到不悦甚至恐惧，反而有时会给我们所看到的实际景色披上一层朦胧而美丽的外纱，让我们通过画家的眼睛，美化我们所看到的世界。
而可惜的是，自小受到强加的艺术教育的鲁本，并没有把艺术作品转化为美好的潜意识。那些被安插在动画片的名作，最终成为了困扰他的梦魇。当他逐渐通过收集画作来对抗噩梦后，那些作品终于不再是折磨人的工具，而回归了艺术品本该拥有的位置。
这大概是画家出身、非常想与年轻人分享艺术的导演想表达的对艺术教育的看法：艺术不该是强加的、强迫的，它应该用它自身散发的魅力，吸引年轻人自发地去接近、去欣赏、去获得令人愉悦的审美体验。
我认为，这部电影本身也算是导演对于艺术教育的一种实践。他在电影里融入丰富的世界名画元素，运用立体主义和超现实主义表现手法，讲述一个亦梦亦真的犯罪故事，试图让观众在获得视听审美体验的同时，自发地去探索电影里的彩蛋，从而对绘画史和艺术史产生兴趣。
艺术的力量非常强大，它可以提供审美体验，也可以提供一部分真理。当你无法用只言片语解释什么是“美”时，一副绘画或许就能带你进入“美”的世界；当你无法用三言两语解释什么是“神”时，一段音乐或许就能带你进入“神”的天堂。艺术看似由理性的技法来构成和演绎，却又能提供非理性的、超越性的体验。
导演一定希望，通过他的作品，可以让更多人进入艺术的殿堂，与他共同感受艺术所带来的无与伦比的体验吧。
2 ) 这部电影，每看一秒就得暂停一下
有一种电影，拍出来就是让人膜拜的。
《盗梦特攻队》有点像《至爱梵高》，算是张靓颖《Dust My Shoulders Off》的加长版，电影的剧情主要是靠大量的艺术品串联起来的。
不过，相比其他两者，一个只专注于梵高的作品，另一个只展现了12幅名画，《盗梦特攻队》显然容纳的更多。电影中不仅有名画，也有很多现当代的艺术品，还截取了不少电影的元素。
总之，《盗梦特攻队》的信息量很大，画面异常饱满，随便按个暂停，构图元素色彩估计都能分析上一阵子。
就连墙上随便画的涂鸦，都是“存在即是合理”，如若你把它想得太简单，这个彩蛋就注定要错过了。
就比如这个涂鸦，在电影中出现了两次，但还是很容易让人“视而不见”。第一次一闪而过，怪不得自己；第二次持续时间虽然长，但是注意力全在汽车能不能逃出隧道了，确实没怎么留意。
这个作品，取材自戈达尔1975年的电影《第二号》。
我去！这谁能看出来？你以为导演是在开玩笑，不过很显然，电影中这种例子太多了。
下面就简单罗列一些电影中出现的艺术品，除了个别作品，其他都是按照电影播放的顺序罗列的。电影重点提到的《夜游者》、《玛格丽特公主》、《维纳斯的诞生》等13幅知名画作，就不再说了。
画面中间这两个游客，出现在很多场景里，感觉像是美国超写实雕塑家Duane Hanson的Tourists Ⅱ（1988）。
不过，在电影进行到一半的时候，有一个镜头明显借鉴了这个作品。
推着童车女人的两条腿，借鉴了波普艺术家艾伦·琼斯（Allen Jones）的Wet Seal（1966），他的作品受成人杂志的影响比较大。
下面这个镜头，借鉴了马奈的《女神游乐厅的吧台》（1882），现藏于英国伦敦大学科陶德美术学院。
栏杆上的海报，貌似是梅里爱的《月球旅行记》(1902)。
缝纫机的女人，借鉴了阿根廷超现实主义艺术家Leonor Fini的La Machine a Coudre（1978）。
下面这个镜头借鉴了《阿波罗与达芙妮》，同题材油画和雕塑的版本都太多，不太清楚具体指的是哪一个。
画面中的女人，借鉴了维米尔的《倒牛奶的女佣人》，是他1658年至1660年创作的油画，现藏于阿姆斯特丹国立美术馆。
墙上挂的那副画指的是德加的Two Dancers Relaxing。
T恤上印着的惊恐人头，借鉴了挪威画家爱德华·蒙克《呐喊》，一共有4个版本。
左侧女人腿模样的台灯底座，借鉴的是前面提到的艾伦·琼斯。右侧的雕塑借鉴的是洛奇雕像（Rocky Statue）。
这个应该是，穆布里奇研究马的动作时，做实验的镜头。当时，他在跑道上摆了12个相机，当马飞奔而过的时候，依次按下了快门，把照片叠加播放就是这样的效果。
墙上这些匕首、剃须刀之类的，应该是科瓦尔斯基留来做纪念的，不过引用的都是真实存在电影名称，像《第一滴血》、《惊情四百年》等，连上映的年份都一样。
下面这个拍死蚊子的镜头，有点像蝙蝠侠。
拜拜·乔扮演的是“思想者”，法国雕塑家罗丹的作品。
下面这个镜头很明显是《草地上的午餐》（1863），法国印象派画家爱德华·马奈的作品，现藏于巴黎奥赛美术馆。这幅画还出现在了，后面的一个T恤男身上。
鲁本老爸等放映室简直就是个宝藏，墙上的海报指的是，保罗•威格纳的电影《布拉格的大学生》（1913）。
画面左上角的海报，指的是G·W·帕布斯特的电影《三便士歌剧》（1931）。
画面最右侧的贴牌，指的是Max Skladanowsky和Emil Skladanowsky导演的《摔跤手》 Ringkämpfer (1895)。
这个镜头让我想起了，《权利的游戏》第四季中，红毒蛇被魔山挖眼的镜头。
下面这个镜头，借鉴的是摄影师安德烈·柯特兹的The Fork（1928）。
拜拜·乔摆弄着自己碗里的躺，模样有点像抽象派蒙德里安的作品。
瓶子上印着的画，指的是“青铜时代”雕塑，罗丹的作品，现藏于法国卢森堡国立博物馆。
这个镜头，借鉴了爱德华·霍普的New York Office（1962）。
有点像形而上学画派乔治·德·基里科的The Enigma of the Hour（1910）。
下图左侧，有一个希区柯克的剪影，算是一个彩蛋。
画面中后背景的雕塑，借鉴了达·芬奇在1487年前后创作的世界著名素描“维特鲁威人”。
画面最右侧的墙上有一幅画，是前苏联艺术家Nina Vatolina的Ne Boltai（1941）。
中间上侧是Republic of Councils Monument（1969），中间下侧是“大卫雕像”，右侧是“工人与集体农庄女庄员”（1937）。
这幅照片，借鉴的应该是斯皮尔伯格的《大白鲨》（1975）。
下面继续回到，鲁本老爸的宝藏放映室。
画面最右侧，墙上挂着的海报，指的是约瑟夫·冯·斯登堡的《蓝天使》Der blaue Engel (1930)。
在电影胶片中剪入其他电影的镜头，让人联想到了大卫·芬奇的《搏击俱乐部》 (1999)。
右侧墙上这幅海报，没看错的话应该是安德鲁斯姐妹的歌曲"Bei Mir Bist Du Schön"。
画面中央的海报，指的是弗里茨·朗的《玩家马布斯博士》Dr. Mabuse, der Spieler (1922)。
这张画面中部的海报，是自己非常喜欢的《卡里加里博士的小屋》（1920），由罗伯特·维内导演。
画面中部偏右，指的是G·W·帕布斯特《潘多拉的魔盒》Die Büchse der Pandora (1929)。
波普艺术展上的作品是最多的，画面左上方指的是Mel Ramos的Hippopotamos（1967）。
画面右侧的涂鸦墙，借鉴了黑泽明的《罗生门》（1950）。
画面左侧背景中的“大拇指”，是法国雕塑家恺撒·巴尔达西尼的Thumb（1965）。
画面左上方指的是斯图尔特·戴维斯的Switchski’s Syntax（1961）。
画面左上方是Tom Wesselmann的《第一号吸烟者(第12号嘴唇)》 Smoker，1 (Mouth，12)（1967），中部下方是罗伊·利希滕斯坦的作品Sunrise（1965）。
最左侧是Richard Lindner的ICE。中间是罗伊·利希滕斯坦的M-Maybe（1965），最右边是他的Head with Blue Shadow (1965)。
这里，拜拜·乔讲了一段安迪·沃霍尔的名言，“每个人都能成名15分钟”那个。
画面中央接球的女人，依然是罗伊·利希滕斯坦的作品Girl with Ball（1961）。
墙上这个“椅子餐桌”，是Daniel Spoerri的Kichka's Breakfast I（1960）。
下面这个套着轮胎的山羊，是罗伯特·劳森伯格的Monogram（1955-59）。
这个依然是Daniel Spoerri的作品，名字叫Eat Art（1960）。
右侧是乔治·西格尔(George Segal)的马戏杂技(Circus Acrobats，1981)。
右侧倒出油漆的铁桶，是恺撒·巴尔达西尼的Directed Pink Expansion（1967）。
画面右侧的自行车轮胎，是Marcel Duchamp的Bicycle Wheel（1913）。
背景版上面，借鉴了玛丽莲·梦露主演的《七年之痒》（1955），这个比较明显。
画面右侧是乔治·西格尔(George Segal)的Portrait of Sidney Janis with Mondrian Painting（1967）。
画面左侧是Daniel Spoerri的作品，截图就能看出来，名字叫Shower（1960）。
右侧这个车，是爱德华·凯恩霍兹（Edward Kienholz）的Back Seat Dodge‘38（1964），属于“观念艺术”。
画面左侧是Alain Jacquet的Camouflage Botticelli（1963-64）。
这个是Billy Apple的2 Minutes 33 Seconds (Red)（1962）。
下面这组是艾伦·琼斯的Hatstand, Table and Chair（1969），画面里面躺在地上拍照的那位，感觉跟国内的车展摄影师有的一拼。
推购物车的女人，是Duane Hanson的Supermarket Lady（1969）。
由于自己眼力有限，水平更有限，电影里面肯定还有很多画作和影片没有标记出来，大家可以在评论区进行补充，片尾字幕也显示了都植入了哪些作品（以上描述若有误也可指出来）。
《盗梦特攻队》的整体风格倾向于毕加索，感觉每个人物都是从其作品中走出来的，舞厅里的歌女有好多只眼睛，布鲁诺是二维的身体，大街上满是两个头的行人。
我们跟随鲁本的视角，在梦境和现实中循环往复。而首尾呼应的结局，也跟诊所的“莫比乌斯环”标志一样，形成一个闭环，让人有点莫名其妙。
犯罪、心理、艺术算是这部电影的三大核心，据称导演非常喜欢艺术品和电影，所以想拍一部结合两者的影片，但单纯讲艺术有点枯燥，所以就想到用一个犯罪故事将其串联起来。
看了一些采访资料后发现，导演制作电影的逻辑，跟其他人还是有很大区别的。
他个人比较喜欢达达主义，超现实主义，德国表现主义者以及波普艺术。所以，人物设计借鉴了很多立体派和达达主义的灵感，放映室里面有很多德国表现主义电影的海报，电影的后半段能看到很多波普艺术。
而且，他会把画面放在首要位置，故事要服从于自己喜欢的画面。
他崇拜喜欢彼得·保罗·鲁本斯(Peter Paul Rubens)和伦勃朗·凡·莱因（Rembrandt van Rijn），然后就用他俩的名字造了自己的主角Ruben Brandt。
他喜欢田纳西·威廉斯的《欲望号街车》，就用了科瓦尔斯基的名字。
电影中咪咪有一段爬楼梯的镜头，完全复制了爱森斯坦《十月》里面的一个镜头。
像波提切利《维纳斯的诞生》和安迪·沃霍尔《双面猫王》，从一开始就想好要放进去了，是为了制造戏剧冲突，后来才想到弄了一个“变章鱼”和“快抢决斗”的戏码。
有时候场景已经定好了，就是缺少角色，那么接下来就开始找艺术作品。比如电影开场后不久出现的“咬胳膊”，导演说就是想找一个公主，最后就定了《玛格丽特公主》。
甚至，他也会在谷歌街景里面找素材。
除了上面这些，电影中还频繁出现了很多意象，比如蜗牛、蝴蝶、燕子、冰块等等，感觉猫狗出现的频率是最高的，尤其是猫。至于电影到底想表达什么，其实不太明白。
可能，就像电影片名中的“Collector”一样，鲁本收集完13幅作品后，才破解了年少时，父亲给自己种下的心病。用咪咪的话来说，就是“用问题来解决问题”。
而导演也是如此地热爱艺术，他本身其实跟鲁本没什么区别，想做一名“Collector”。然后，在他的作品中，尽可能多的表达自己所爱。分享其对艺术的热爱，最终用艺术来解决我们面临的一些烦恼。
总之，看完《盗梦特攻队》后，就如同参加了一个试听音乐会，挺爽的，感觉这就够了。
电影中有个场景让人印象很深，咪咪一行人在波普艺术展上大打出手，旁边围观的人居然以为这是在上演一种艺术。
这段镜头让人联想到了《天鹅绒圆锯》中，一个女人死在了展品旁边，大家居然也以为这是“艺术的一部分”。
前段时间，英国脱口秀演员Ian Cognito在舞台上表演时发生了抽搐，观众当时也认为这是表演的一部分。
不知道导演对波普艺术是什么态度，植入了那么多作品，想必还是喜欢的吧？艺术真的是让人越来越难懂了！
其实，在看《盗梦特攻队》的时候，不止一次联想到了戈达尔的《电影史》（B站有全套资源）。但实话讲，没有一定的阅片量，真的很难支撑一分钟。
当你在看一本哲学著作的时候，会觉得字都认识，就是不懂什么意思。而在看《电影史》的时候，你甚至连画面语言都不认识，更别提懂了。
记得《三傻大闹宝莱坞》里面，兰彻用自己两个朋友的名字，捏造了一个词语。并在讲台上表示，谁先从书本里找到解释，就能得到某种奖励。同学们原本很瞌睡，听到后都提起了兴趣。
可能，导演的意图也是这样，与其像评论家一样，枯燥地展示博物馆的知识，还不如设置一个“找彩蛋”的游戏，让大家主动去搜集电影里面的艺术品。
所以，《盗梦特攻队》也算是艺术版的《头号玩家》了。
3 ) 【春天的放牛班】观影团的周限定观影之——《盗梦特攻队》
“我梦见我是猫 两只一起玩 ” — — 匈牙利作家 卡林西
本片并没有根据真实事件改编~~~
紧紧抓住春天的尾巴，春天的放牛班观影团迎来了第三期周限定观影。（第一期为《气球》，第二期为《性别为本》）即使复联四在本周大行其道，各位友邻对这部诡异迷幻的非院线动画电影也充满好奇呢。 有人喜爱强推，有人接受无能，各位在这篇长评中一探究竟叭。
本次观影共有13位友邻参加，10条短评，平均分76.5。
@低能钛合金 95/100
毕加索式《盗梦空间》，艺术版《头号玩家》，超现实主义和立体主义画风交汇相融的梦幻国度，简明扼要的故事主线+诡谲化的影像构图+富含侵略性的配乐，观影过程既是头脑风暴，又是视觉盛宴。
由于艺术素养严重欠缺，大概只get到该片两三成的美和彩蛋，但只看其中对《教父》、《低俗小说》、《罗生门》、希区柯克、梵高和罗丹等的致敬，就知道这部电影是一场艺术的狂欢派对，是文艺粉们的强力春药了。
@mdr skywalker 90/100
动画版《头号玩家》。身为画家的导演真的是不一般，画风完全致敬毕加索，抽象派和立体主义，有些画面完全可以作为壁纸。片中彩蛋应该是处处都有，大玩名画梗和电影梗，可见导演的高超艺术修养，遗憾的是本人才疏学浅，很多彩蛋看不出来。玩梗之余还输出了一个非常简单的价值观：人要直面内心。同时作为夺宝犯罪类电影，节奏感非常棒，辅之超级出色的动作戏调度和相得益彰的配乐，梦境的设计还挺有《盗梦空间》的味道，观影体验很不错。结尾映出了警长的影子，一个推拉镜头回归开头的场景，我都怀疑这一整部电影是不是一个梦境了。毕竟是个开放式的结局，见解不同。个人很喜欢。
@鱼麦麦 85/100
电影是一门综合艺术，当构图、色彩、配乐、创意都到达登峰造极的水准的时候是可以忽略一下剧情的稀碎的，而且一切不连接不合理的剧情都可以用梦来解释呀，动画就应该天马行空。这部电影的视觉效果太强了，整体是黑色惊悚风，有几场戏还真有些吓人，即使我没有完全悟透，但并不妨碍我喜欢它，是差一点点能打五星的作品，缺的那点可能是因为我不够专业（卑微）
@昨日之島 85/100
即使不是2018年最棒的电影，那也一定是2018年最具风格化的电影。艺术大师的作品自此不再只静静躺在美术馆里，而是在第七艺术里焕发出了新的生机。那些莫可明说的东西无时不刻不充斥着电影画面，电影梗、音乐梗、名画梗从未如此和谐而不使人感到枯燥地融合在一起，动画这一介质无疑放大了电影表达的可能性，远远翻跃了真人电影的藩篱，今敏留给世界的遗产在这部电影了有了继承和发扬。我喜欢这部电影是因为看到了动画电影的无限可能，并且一直有人在不断探索这种可能。
@cinedreamer_ 85/100
整部电影安插了如此多的彩蛋，说实话孤陋寡闻的自己实在没get到几个（大概也就低俗小说兔子舞、思想者、罗生门、杯子里的希区柯克这几处？）知识储备不够，其实还是少了些乐趣。不过令我比较佩服的一点是，整部片门槛虽高，观感却意外地非常好。类似毕加索般的诡异画风、艺术心理犯罪三大主题的融合、得当且出彩的配乐再加上顺畅的时空转场，每一部分都通过导演天马行空的想象发挥着巨大的魅力（不禁想起了汤浅政明的《心理游戏》）。相比视听效果，故事感觉差了点，某些地方可能比较模糊，却也因此可以让不同的人有不同的解读。很特别的一部动画，但很喜欢。
@Owl 85/100
@典 83/100
若是对西方美术史和弗洛伊德精神分析法有一定基础，观影共鸣会大大增加。对于本片来说，若是视听语言能给五分，那剧情只能给三分。抽象诡谲的毕加索立体艺术风格贯穿全片，每一帧拿出来都可慢慢品味，配乐也增强了情节张力和气氛营造，毫无疑问是一场不可多得的视听盛宴。但缺陷也是比较明显，剧情推进的流畅性不佳，故事较破碎且单薄。“我梦见我是猫，两只一起玩”的入场与结尾揭露的真相呼应巧妙，但是放在当下的商业片实在是没有让我太惊艳。
@影武者 80/100
现代抽象艺术，美吗，清奇吗，诡异吗，真不知道该如何形容这风格，除了那些名画，细节也时刻都在提醒你，这是一部多么艺术的作品，主题有些晦涩，不过还算友好，黑色电影动作大片精神分析……各种类型捏一起，导演也肯定是个炒鸡影迷，明着暗着的抖了不少货出来，很有趣。
@嘉措 72/100
1 脑洞非常大，用12幅名画串联起来的故事，里面有非常多的致敬梗不过本人观影量较低没发现多少，这里提一个 20分57秒 打死蚊子 杯里有某位胖子的黑色轮廓影子 1.26分 同样出现了那个带有黑色轮廓影子的杯子
2 用《红辣椒》和《盗梦空间》的形式讲述《纵横四海》不过核心不太一样，最后那个火车玻璃上的影子显然是一个开放式的结局，火车又开回了起点循环往复也许是不愿意触及真相。
3 影片中多次提及的"用问题来面对问题并且解决问题"应该就是要表达的核心。
4推荐给两种群体吧，一种是学艺术或有一定艺术水平的可以好好欣赏，还有一种就是观影量比较大的，可以开心的找彩蛋。
@Mathilda 65/100
@落山鸡 65/100
@Anyslus 55/100
"嗯。不爱别伤害”
@扶不起先生 50/100
影片的画风让我想起了毕加索，扭曲的面部和狰狞的五官着实让人不适，某些片段就像惊悚片一样不寒而栗。剧情总体来说算得上通俗易懂，搭配着乐曲似乎没有那么煎熬。观影中总想从中看出什么，但这都是徒劳无功的尝试。抽象的艺术、心理的暗示、梦境的解读。呵呵，电影真是个艺术啊，这部影片除了开头和结尾，其余的真的没有看懂，更没有耐心去研究和解读，所以还不如做个好梦来的实在！
ok，以上就是本次周限定观影的全部内容。有兴趣的话呢，就去慢慢享受《盗梦特攻队》带来的颅内高潮和视听狂欢；没兴趣的呢，没兴趣你还看这篇长评？赶紧关了！
观影不就观个爽快，观个欢乐嘛，更何况我们可是一群春天的放牛班的卑（沙）微（雕）观影仔~~~
4 ) 这部动画，满眼都是欧洲动画人的肆意奔放
不同于好莱坞高度模式化的CG动画，欧洲动画总是更富个性，像《美丽城三重奏》《夜幕下的故事》《德黑兰禁忌》《和巴什尔跳华尔兹》《至爱梵高》和《海洋之歌》等，都以独特的艺术风格深入人心。欧洲导演乐于在画纸上肆意妄为，擅长把天马行空的想象力与具象情景深入弥合，绘制出一套兼顾视觉与文本的符码系统，普遍关注社会文化危机与意识形态的混乱，个人内省与表达的欲望均很强烈。
虽然一些欧洲动画也在模仿好莱坞的工业化制作，但真正的魅力还要看那些在类型与艺术边缘反复试探的作品。这些作品以灵活的方式书写着人与世界的纠缠，用夸张和荒诞去拉扯沉重的现实。现代艺术无疑启蒙了一大批欧洲动画人，至今滋养着他们的创作理念。乍看上去，欧洲各国的动画发展和制作手法均有差别，本质上却是同一片艺术土壤下的近亲果实。这些独特而鲜活的线条色彩，总是以惊艳的方式渲染出高度凝练的幻想世界。
将在周五姗姗来到国内的《盗梦特攻队》（导演米洛拉德·科斯蒂奇），就是一部继承了欧洲现代艺术美学的个性作品。然而在这种共因之外，导演的生涯履历和作品形态，又反应了匈牙利电影的特殊历史。本片展现出一个介于真实与梦幻之间的世界，通过犯罪片的类型叙事结构，探讨角色的精神焦虑与心理困境。基于题材的选择，科斯蒂奇选择了较为抽象的视觉策略。
这种策略的背后，蕴藏着的不仅是长期以来欧洲动画人在《鼻子》《国王与小鸟》《黄色潜水艇》《地下理想国》中一直秉持的前卫独立精神——不愿拘泥于规训的范本，更刻意与真人电影拉开距离，拒绝预设现实，而是用简约的几何，鲜明的色块和扭曲的线条实现差异化表达——同时还有匈牙利电影人独有的创作倾向。
《盗梦特攻队》再次用欧洲人的典型思维，蚀刻现实世界与人类内心。一方面，故事中的所有人物都是立体主义的造型，他们有着扁平的身体和铺展而开的面孔，非写实的深浅变换以及运动派的表现手法，完全抛弃了透视与形似创作的惯性。如此一来，就推动着影像减少指向外部事物的语义可能性，促使我们重新认识结构与形式的关系。
另一方面，片中各式场景相对更加写实，突出形状与角度，诸如篝火和吊灯等具体物件更是以3D动画呈现，虽然不少建筑也有着表现主义式的拉伸扭曲，但整体来讲要比人物具象许多。如此一来，角色与环境不可避免地产生抽离感，具有积极意味的感官冲突自然生成了。人物与场景总是不协调的，看上去似乎难以达成和解。
这样做，不仅在强调主人公的焦虑困境，也蕴藏着欧洲现代艺术的巨大美学价值。人物的抽象示意性，流露出一种整体的、连贯一致的形式结构，从而诉诸我们的感觉，把我们带入别异的审美世界。同时，这种抽象性也代表了客观对象与其现实意义的双重后撤，让位给某种不可名状的精神状态，是对现代主义内核的直接概括。
不同立场的观众，对导演试图点明的情感与思考有着不同理解，而这些理解互不冲突，各自成立，我们就可以说这部电影是暧昧的、多义的。达成这样的效果，得益于现代艺术赋予动画迷离梦幻的多元形式表达。动画出生在现代艺术全面爆发的年代中，因此那些思潮与成果几乎可以直接进入到动画里。现代艺术另类的物质观，对客观世界奇特的洞察方法，均被动画淋漓尽致展现了出来。
《盗梦特攻队》在整体叙事上散发出浓厚的暧昧性，视觉上也颇具实验气息，但本片并不是一味晦涩的。首先，对艺术爱好者而言，这部动画确实可称得上是艺术版的《头号玩家》。散落于各处的关于绘画与电影的涂鸦、标语和道具等，无疑是具有互文效应的彩蛋，在持续地转场中不断唤醒我们的审美经验。
另外，影片的主线故事就建立在十三幅世界名画之上，是电影的叙事动机，也是角色试图摆脱梦魇的线索和手段。于是乎，众多彩蛋垒起了影片的整体风格，又对主线叙事不构成喧宾夺主的威胁，同时让这场名画盗猎的长途冒险，以文本编织的语义之网构成了强烈的历史召回感。在不断地召回中，文本形成思辨，意识得到解放，个体被极致表现，表意系统逐渐丰盈。
当我们跟随主人公鲁本·勃兰特的行动轨迹，在希区柯克的冰块、戈达尔的电影、《低俗小说》的兔子舞、梅里埃《月球漫游记》、黑泽明《罗生门》、杜伟内克《吹口哨的男孩》、波提切利《维纳斯的诞生》、霍珀《纽约办公室》、马奈的《奥林匹亚》、汉森的超写实主义雕塑《游客》、沃霍尔《双面猫王》以及罗丹的《青铜时代》中畅游时，这些作品承载的时代模因和文化密度，无疑让快感无处遁藏。
甚至鲁本·勃兰特这个名字，都是由两位著名艺术家鲁本斯和伦勃朗拼凑而成。对于艺术迷而言，大概光罗列出这些一流名作就会激动不已，何况这只是影片中涉及到的冰山一角。可以说，《盗梦特攻队》的所有细节几乎都是由艺术品填充起来的，在那些难以察觉的画面角落，还有更多的绘画与电影彩蛋等待我们挖掘。
其次，影片披上了犯罪/偷盗电影的外衣，情节线索较为明朗，不少段落拥有黑色电影的元素。虽然《盗梦特攻队》对这种类型叙事的把握仍有瑕疵，但是对于喜欢好莱坞的观众而言，这类故事本身也能体现出不错的娱乐性。而主人公的梦魇，对照的是经典的弗洛伊德精神分析法。影片故意模糊真实界与想象界的边野，本来抽象化的人物造型也难以令我们分辨虚实。
第一个镜头便是鲁本·勃兰特遭到《吹口哨的男孩》和《穿蓝裙子的特蕾莎公主》（委拉斯凯兹）袭击，随后场景转接到警探迈克·科瓦尔斯基和女盗贼Mimi一段长长的追逐战。这场戏有着大量动作喜剧元素，同时人物穿梭于不同情境中的夸张动感，摒弃动作细节的仿真处理，也是欧洲运动派动画风格的浓缩，突出画面感染力，易煽动观者情绪。整体上，影片就是在这样几条线索和动作链条中并行交汇，从而逐步揭开鲁本陷入噩梦的原因。
鲁本的内心困扰全方位地呼应着弗洛伊德理论，那些关于童年与父亲的影响。同时电影也用最后一个多义性镜头，暗示了他与科瓦尔斯基的内在联系。某种程度上来说，这是个半开放式的结局，虽然暗示得很明显，却仍会令观众充满怀疑。就像《盗梦空间》的陀螺和《K星异客》的字条一样，给人充分的留白空间。而整部电影也最终形成了一个闭环：从火车上的噩梦开始，以火车上的苏醒落幕。
对于电影艺术来说，火车是一种独特的象征性符号，因为电影就是“从火车驶入的一刹那诞生的”，也因为它是工业时代的经典标志。由卢米埃尔开始，无数电影都以一种古典的、宏大的、敬畏的角度来呈现火车，本片也是如此。
片中的火车明显不符合现实情况，开头在黑夜中每节车厢的编号都相同，结尾又变成了孤零零的一节车厢，轨道桥也没有尽头。鲁本的座位号25，是本片的关键数字，是叙事的核心谜题。一切都在暗示火车是他的某种精神囚笼。因此，火车作为一种对观众的提示，不光展现出鲁本与内心阴影达成谅解，同时还揭晓了梦境的延续。另外，结尾数秒的铁轨交错镜头，以及车窗上科瓦尔斯基的倒影，仍揭示出他那处于不断分裂缝合的人格状态。火车将一直开下去，没有任何途径站和终点站，他也永远无法下车。
鲁本的心理障碍，实际上是由科瓦尔斯基解开的。但两人在情节上从未发生实际接触，尽管如此，鲁本最后也意识到了问题，这似乎不明确地暗示了两者的关系。因此，在苏醒之前，他静静盯着墙上的十三幅画的场景，就成了许多电影中惯有的“顿悟时刻”，也是一系列情绪起伏后必不可少的停歇。影片接着再次将观众代入似真似幻的抽象空间中，装着希区柯克的酒杯震向桌角边缘，整个镜头都在致敬《潜行者》。然后地震变成火车的轰鸣，将鲁本拉回车厢。
父亲去世是一切的肇始，像一个开关激活了鲁本的自反记忆。联想到那一小段关于父亲的闪回，我们也能体会到影片对冷战的历史折射。虽然鲁本是一位凭借“艺术疗法”名声显赫的心理医生，但事实上，艺术并非只给他带来精神财富，更是他的童年阴影。名画中人在梦中的袭击，本质上是自我与超我的激烈对抗。每25格胶片的暗示塑造了他一生的潜意识。
电影重要的不是讲什么样的故事，而是如何讲一个故事。从这部作品看，米洛拉德·科斯蒂奇跟匈牙利电影人给我们的固有印象有些不同，他在保持先锋独立的创作精神同时，也不排斥类型元素。可以说，整部电影不光对罗伯特·维内、塔可夫斯基、大卫·林奇等人的作品均有借鉴，也没忘记斯皮尔伯格和史泰龙这样的商业片导演，同时还有玛丽莲·梦露、蝙蝠侠等流行文化符号。
科斯蒂奇的文化视野源于其生涯经历。虽然他曾经靠短片《我的孩子离开了我》拿过柏林电影节银熊奖，但在主流电影界完全没什么名气。然而在艺术界，他是一个不容忽视的艺术家，身兼摄影师、画家、雕塑家、纪录片导演于一身。虽然是斯洛文尼亚人，但他长期定居布达佩斯，深入吸收匈牙利艺术界和电影界的方方面面。
在此影响下，《盗梦特攻队》也体现出了匈牙利电影的特征。片子的戏剧冲突与节奏不能说掌握得多么高超，但与各种流行艺术的交叉，同时又能与文本紧密结合的本事，还是令人折服的。
本片以绘画、雕塑、建筑、电影、音乐装置艺术等为主旋律，以立体主义、达达主义、后印象派、表现主义和超现实主义伴奏，摘取部分元素加以突出，让叙事散发出一种去真实化的抽象美学与怪诞的严肃性。这些无疑都是科斯蒂奇熟稔的领域。而文本的浅白流畅，又是一系列图征得以自洽罗列的基础。
说到这里，就要谈谈匈牙利电影的独特性。虽然科斯蒂奇不是匈牙利人，似乎也不是专职的导演，虽然《盗梦特攻队》是一部动画片而非真人电影，但这部形态前卫的优秀作品，还是对照出了某种匈牙利电影长期发展中的意识冲突与精神遗产。
对匈牙利人来说，电影是一个受人尊敬的高等工作。60年代以来，匈牙利文化政策基本上对电影采取积极支持的态度，既鼓励他们各种奇奇怪怪的美学实验，也能容忍他们对现实的生动描绘。直到90年代初，因欧洲格局的变化，匈牙利国内各个电影组织纷纷解散，制片厂倒闭，政府补贴缩减，电影产业立刻陷入困境。
匈牙利电影人分为了“政府派”和“市场派”。诸如贝拉·塔尔、米克洛斯·杨索、伊斯特凡·萨博这些蜚声世界的导演，以及巴拉兹·贝拉电影制片厂的那些激进纪录片作者们，都是“政府派”的代表人物。
“政府派”的意思不是完全站在当局一边，他们主张的是政府不应放弃扶持电影行业，不应把艺术完全交由市场决定。像杨索这样的大师级作者虽然站在这个立场上，但并不会频繁为此发声。在大大小小的会议中曝光率最高的，还是那些有一定名气但成绩有限的导演们。他们的创作事业与原有生产机制的联系更为紧密。
东欧剧变给了“政府派”们一个虚假的愿景，让他们以为未来国际对电影将更为宽松开明，但现实让他们愕然。最后，还是由贝拉·塔尔，萨博和杨索等人出面与政府达成一致，将扶持金回升到了一个可以接受的程度。直到这时，“政府派”艺术家们才意识到，想又能拍电影又能吃饱肚子，一步都离不开国家补贴。
“市场派”也并不是“政府派”的对立面。他们大多由中青年艺术家组成，基本抛弃了靠政府吃饭的念头。他们的愿望是恢复匈牙利商业类型片的优秀传统，引导观众重新走进影院。在1930-1970间，匈牙利合家欢电影是全国人民最受欢迎的娱乐形式，“市场派”希望重现这一光景。他们将目光转到了民营企业和电视台身上，试图得到他们的赞助。但事实证明，匈牙利市场太小，回报率极低，企业家们没有意愿和资本帮助他们。
电视台也对此意愿不大，他们解散了各自的创作工作室，订购电视电影去了。唯有少数几个大制片厂成功转型，这是因为他们的领导提前意识到了问题所在，在拍电影之外搞起了技术支持服务。到最后，“市场派”也不得不靠国家补贴继续创作。
所以，匈牙利电影到现在本质上都是社会主义式生产的，但外在形态又非常类似独立电影，具有反传统、对社会各阶级角色的巧思、创新的视听语言以及鲜明的批判性。贝拉·塔尔就是一个典型例子。他是所有匈牙利青年导演（也可能是世界上大部分青年导演）的偶像，他在银幕上创造了独有的“社会后现代主义”。但是他的诗性美学背后的内容与思想内核很难模仿，许多青年导演只能学其皮毛，不知其里，照葫芦画瓢。而且，塔尔的权威总能让他得到合适的投资，但其他匈牙利导演就没有这样的条件。更何况，后现代主义正在逐渐衰落。
这些年轻的导演，大部分受制于资金与理念的桎梏，陷入某种投机的折中主义之下，背离了自己的艺术宣言和求索精神。自贝拉·塔尔封镜后，那些在国际有些名望的匈牙利导演，也难有重量级作品问世。然后，在国家电影基金会（如今已被国立基金会取代）新任领导格林瓦尔斯基关于鼓励电影处女作，为每个导演的命运负责的方针下，匈牙利小成本电影的时代到来了。
国家补贴平摊到更多人身上，让他们有机会制作电影。这个愿景很美好，但弊端在于，低成本往往意味着妥协和不规范，导演们很难系统地掌握新技术，没有学习大场面制作的机会。匈牙利电影二十年来的产量上去了，但艺术成果却越来越少。实际上，贝拉·塔尔退隐江湖的决定，或多或少也受到这种情况的影响——他后期对美学的追求需要大量资金支持，难免与基金会的政策有些冲突。
由此产生的现象是，匈牙利涌现出一批一批的新导演，却没有几个能持续在世界影坛上露面。曾经的一个典型例子是伊尔蒂科·茵叶蒂，在拍完处女作《我的二十世纪》一鸣惊人后，后两部作品都不被认可，以至于很久未执导筒，直到两年前才靠着《肉与灵》重新回到国际视野。更多人就没有她这样的翻身机会了。近几年像拍出了《索尔之子》的拉斯洛·奈迈施，很可能也要陷入这样的局面。
某种程度上来说，科斯蒂奇也是这新导演中的一员，不同的是，他在艺术界已经有了足够的底气。总体而言，《盗梦特攻队》还是给匈牙利电影释放了一个积极的信号，科斯蒂奇根本上与那些“政府派”一样，受现代与后现代双重灵感的鼓舞而创作，喜欢用深奥的非常规的表达手段，对当代世界进行个人式创造。但又不同于“政府派”过度痴迷影像实验，暴露出高高在上的创作意识。《盗梦特攻队》对类型电影有着“市场派”一样的积极态度，使其与先锋艺术共冶一炉。
实验性早已是匈牙利电影的本能，也是其闪光点，但要如何避免对其他方法的窠臼与偏见，是每个创作者应该思考的问题。科斯蒂奇的创作态度就很有参考意义。希望《盗梦特攻队》不再是孤例，引出更多思辨性和娱乐性兼具的匈牙利（动画）电影。
5 ) 百无禁忌的策展游戏
《盗梦特攻队》是近几年“彩蛋”电影中极致的异类。这股风潮我最早的印象是从2012年《无敌破坏王》引用大量经典游戏角色开始，到去年现象级作品《头号玩家》更是证明了这股风潮的巨大市场号召力，中间还有乐高等许多作品也有着较高的完成度。虽然这些电影也和《盗梦特攻队》一样在“余兴”部分目不暇接，但基本上都是在积极拥抱流行文化元素并唤起熟悉的旧日情怀，甚至连同样引用绘画作品的《至爱梵高》多多少少也不例外，谁又能说梵高如今不是人尽皆知又人见人爱的流行文化了呢？
《盗梦特攻队》则通过一帧一注释般曲折的引用内容创造了一个文本迷宫，炫技式地展现了作者在复杂性上的殚精竭虑，所有文化元素的作者化过程也饱含巨大的精神力。但它也完全不是《尤利西斯》式的纯严肃作品，恰恰相反，所有庞大都精巧地框套进了一个“猫鼠游戏”的类型片主干中，使得它巧妙的主题不仅在原创文本中，而更是交织在马不停蹄的彩蛋部分。如此观之这部电影像极了一次史无前例的策展，它自由调配着整个人类文化史上各种形式的伟大作品。
有趣的是“将艺术作品框套进动画”也是片中主角鲁本父亲所做的心理试验。鲁本的噩梦是从父亲的葬礼后开始，父亲去世后父权的压力仍然延续，他再次面对自己的童年阴影，亟需能有一个和解。片中有一段闪回，可以看到鲁本父亲从小就以权威姿态要求着遵从他的教育和价值观念，希望他成为艺术家，并以将经典名画剪辑动画的洗脑方式控制着他的童年娱乐。
如果将父权的压迫焦虑和博物馆名画带来的影响焦虑相对位，鲁本父亲将名画剪辑进动画中正如人类将艺术品锁进博物馆，鲁本医者自医的过程如同动画作者对其创作者焦虑的自我疗愈过程。女主角Mimi解释为何偷艺术品时说：“因为美，不该被锁起来。”这正是道出这次“策展”的野心。传统博物馆用画框，用品味，用权威，用各种“锁”将艺术品固定下来，而正如“盗梦特攻队”这一翻译，它正是要“盗”出这些固定下的美梦，让它们再次自由。
这种自由尤其体现在几段恐怖元素鲁本梦境。比如第五段噩梦是角斗场，不断分裂的《双面猫王》枪杀鲁本，又或者是第八段噩梦，《皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿》在悬崖边上用鞋子塞入鲁本的嘴。这些名画中的人物在此都不再岁月静好，有些和当时穿插它们的动画片混合，要么成为纯粹的恐怖元素，要么成为裹挟着父权的象征。片中总共有13幅画，另外4幅并没有具体噩梦场景呈现给观众。
结尾火车车窗上，我们看到鲁本的倒影出现了Mike。其实Mike只是鲁本的一个梦境，或者说是如《双面猫王》一般的一体两面。“我不想学着喜欢。”面对雷诺阿时鲁本曾说的。鲁本成为了艺术病医生，一定程度上没有如父亲期望那般成为艺术家。于是，他构想出了一个完全摆脱了父权后的自己。“我梦见我是两只猫，两只一起玩。”片头的字卡如是说。这也正是梦的魅力，梦会给予人们满足，鲁本和麦克都只是在不同视角上试图找寻自己罢了。而梦境崩塌回到火车的关键点，正是鲁本看到了自己对面放着的杯子中有和麦克家一样的冰块，某种不合逻辑的破绽让梦中人醒来。
最开始的火车上，鲁本在看的《深眠》一书开始了这次深邃的梦境。而最后的火车上书变成了《欣赏艺术》，“盗梦特攻队”的成员都是他的患者，联系中间“扮演小红帽”的段落，仿佛在证明中间的一切只是鲁本针对睡前手边素材编制的梦境。但在漫长没有尽头的海上铁轨，再次出现的蜗牛（蜗牛的壳也是螺旋），首尾对称的PCFC231，又都在暗示着某种超现实或者循环的存在。
面对伟大作品不断的人类艺术史，作者自由地引用、排列、重塑，也会思考自身在其中的位置。这种沉重的负担下，《盗梦特攻队》直面更高的精神主题，它没有用画框用权威用品味将自己固定下来，而是利用多义性和哲学向的精神分析，让动画这种极致灵活自由的艺术形式成为和传统策展相反的载体。大量作者化的再创作，尤其是偏抽象派的绘画形式，对观众产生了审美间离效果，这是比片中大量艺术史内容更具观影门槛的部分。但如果观众接受并理解了作者的勇气，这些天马行空的想法落实到类型元素，使动画保持着商业和艺术风格的统一，大量风格化的奇观展示，可谓形式和内容皆百无禁忌。
6 ) 看不懂
看了这么多评论，就没有一个人老老实实地承认自己看不懂的吗？个个都装着自己好懂似的。大大方方的说自己不懂艺术很难吗？为了看部电影那么累干什么。有这个必要吗。还是豆瓣把这类评论都删掉了？？？
反正我是没怎么看懂，我就大方承认，没有什么大不了的。最后，不得不说的是凑字数太难了，想说点真话都那么的难。
如果电影是造梦的机器，那这一定是场噩梦，导演以超现实风格搭建起令人毛骨悚然的梦的世界，用碎裂、解析、重组的画法重回立体主义风行的毕加索时代。影片中13幅举世闻名的画作背后，潜藏着个体与政权的双重隐喻，从弗洛伊德命题中被抑制在潜意识中的焦虑出发，表面上讲述了一个家庭的悲剧，内在里却指向了东德曾施行的意识形态灌输实验。结尾，导演用一场滑稽的盗窃事件对现代艺术发出质询：“艺术是否失去了边界？”当然，这是一个好的时代，艺术的发展不再是流转、循环和上升——现代艺术可以是艺术家的理念，也可以是任何时期、主义、风尚的再现；可以是寓意明确的，也可以是毫无意义的。在这样的时代，我们才能看到高更和罗伊并肩站在一起，看到维纳斯变身为可怖的章鱼，看到没有指针的时钟和被意念控制的水杯，看到所想、所知的一切。
倘若能把这个动画片里埋的所有梗都看懂，不管是电影史还是艺术史的考试都能轻松通过吧，
画重点，片头：我梦见我是两只猫，两只一起玩。全剧透哈哈哈
动画版《头号玩家》。
“越轨者因为心理问题而不能越轨”，这个命题和“艺术在失去了边界的同时也失去了艺术性”一样，这大概是作者想要传达的辩证法之一，正好集中体现在了高潮那场破坏现代艺术展的狂欢之中。另外也能看到对极权主义propaganda一种远景的恐惧，“精神宰制”。主人公没有被父亲精神宰制而成为艺术家，但他要不成为了精神分析师，要不成为了侦探，他没能成为父亲的愿望，却成为了父亲现实的某一面。个中藏着弗洛伊德关于父权焦虑的命题。主人公成为艺术家的焦虑被抑制在潜意识里，它一要越过那条界限上浮到前意识，就会带来“被迫展出”的焦虑，噩梦就是这一焦虑的自救法之一，窃取画作则是最终解法。所以主人公要成为一个收藏者，把对外展出的画作取回来，重新藏回自己的潜意识中。这也是为什么他是collector而不是theft的意义。
果不其然，有些天马行空的幻想还是动画更游刃有余。不可多得的彩蛋电影，看片名就能联想到今敏，诺兰等等电影梗，深入进去，电影梗惊喜更多。除此之外，还能看到波提切利，委支拉维斯，高更，梵高，毕加索，伦勃朗，安迪沃霍尔，爱德华霍珀等等绘画梗，至于音乐梗，不得不说，只闻其声熟悉，不知其名惭愧。总之，艺术爱好者的集大成之作。
“美不应该被锁起来，艺术是心灵烦恼的钥匙” 高空红高跟鞋、有大象记忆的老妈、拥有三维母亲和一维老爸的二维儿子、贴满邮票的人体快递… 天马行空的想象，耐人寻味的幽默，新奇猎奇的角色和画风，好听的配乐和歌曲，一切看起来那么吸引人，然而也没太看懂，哈哈…“他看起来并没有努力思考”
被一把折扇吸引就放弃钻石，为一场治疗寻医就盗窃名画。不能玩蜗牛只能看动画，艺术成为梦里的厉鬼。波提切利与马奈扼住咽喉，再美也无法赏析。堂而皇之的偷窃被当做行为艺术，惨无人道的实验披着父爱外衣。谁是滑轮上不歇的仓鼠，谁是案板上贪食的蚊蚋，谁是飞机上坠落的包裹，谁是黑市里无价的名画。
A / 本片对名作的化用与其说是“致敬”不如说是“引证”；与艺术史的关系亦并非仅仅是摭拾精粹而是以这些迷人的碎片构建一个“他性”的情境，从而将其精神化为可被追逐的晦暗客体。一旦这一假定成立，一切对平滑、流畅、圆润状态的摆荡破坏都幻化为一种隐秘的心理牵引，三场“戏中戏”更是成为绝佳的招魂仪式。"I was cured, all right."
画风很毕加索，埋了不少艺术彩蛋。故事还是中规中矩了，要是拿给今敏来拍，一定更天马行空...（这译名我呸！）
动画这一形式，能选择这种题材、拍到这种程度，已经是非常好的了。不过还是有两个苛求的缺点：过度沉溺于艺术史概念/趣味的掉书袋拼贴和怪诞的视觉呈现，无视类型基本的流畅。而反观这份沉溺，也会发现其中大多只是被处理成了具有简单符号意味的视觉元素，实际上没有纵深。
R级大尺度动画，每张脸都像毕加索的画那样神态各异般古怪，有些cult恋足迷影，掉书袋的欧洲艺术史，动作场面噩梦天马行空。但从长片的角度来讲，各个段落的拼凑感和节奏问题不太好联系并不紧密，没有被嗨到。#北影节2019#天幕。
世界级大师作品，编剧导演必须要对世界史、艺术史、审美理论和美术表达，尤其还有心理学有特别透彻的研究才能有这种超前和先进的故事构架和内容组合！而把它做成动画再呈现出来就又是另一套专业的电影学行为！对于编导知识面之广之深，我是真的服气。作为一名国家二级心理咨询师，深以为心理治疗的最高境界就是自然无形的让人回归本位，让来访者扮演小红帽戏剧的各种声音那场戏就是最好的诠释。最后的结局（以下剧透）弟弟在父亲死后，在梦里想象成自己是哥哥，其实哥哥就是年轻时候的父亲，同时也是他自己。他在父亲的实验下做了多年噩梦，却也继承了他父亲本身，成为他父亲的一部分。特别深邃的表达，而且完成度非常高，BRAVO!!!
猛烈新鲜的视觉冲击、名画电影埋梗无数，全方位的艺术动画。导演应该是莱热、毕加索粉丝，一切都可立体主义+超现实主义化，艺术史爱好者一定会看得很爽吧！用盗贼同盟heist film的壳子来治愈心病噩梦（纵横四海+红辣椒/盗梦空间），电影植入潜意识制造焦虑（精神分析派一刚），父权伤害和那间放映室像是从《偷窥狂》来的。动作戏干脆漂亮、血腥场面猎奇cult，为幽默感和OST点赞。“…堪称动画版的《头号玩家》…被誉为《疯狂约会美丽都》后最重要的欧洲动画片。”各大动画电影节提名大奖，最后多数败给了索尼的《蜘蛛侠》→这部还是太实验先锋，评委怕是吃不消哦。（投到昂西动画电影节可能比较对路子？）长评https://www.douban.com/doubanapp/dispatch/review/10145710
有点乱哄哄的，让人笑的地方一点都不好笑。像我这种太现实主义的人不适合看动画片。
BJIFF. 8.5. 视听狂欢带来的颅内高潮真刺激。故事骨干很简单，但是呈现形式太吸睛了，天马行空的梦境借着动画电影发挥了最大优势，这种奇诡怪诞的画风真不多见，配乐也是相得益彰。即领略了另类美学，又陶冶了艺术情操，这样的文艺cult动画佳作，请多来一点。
当艺术品都发了疯，想要杀你，怎么办？这部风格满溢、援引浩瀚艺术史的动画片让人大开眼界。丰富的视觉体验点亮了我的一天。本片是应对童年伤痛，用艺术和行为做治疗的终极尝试。// PS：于我个人也是一个惊喜，昨天我瞎画了一张五个眼睛的自画像，今天就看到了这个都是N眼人的动画，就好像自己的怪梦成真了一样。
造型这么丑，依然很好看，所以艺术本质不是美丑的问题，美丑都可以成为艺术，艺术最忌平庸。
吹爆这部电影，用好莱坞方式拍一部艺术片
文艺狂欢电影！视觉与听觉的饕餮，别致到让人汗毛直立。有了以上这些，又何必刻意强求故事呢？只是记住那个让我们魂牵梦绕又挣扎抵抗的人，其实始终都是我们自己，就足够了。